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© António Drumond, s/t, 2000
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“Depois de circular pela vasta
experiência do mundo contemporâneo que impressiona Thomas Struth, de acumular a
magnificência das estruturas, que se dizem transparentes, das suas
instituições, de manifestar, enfim, a congratulação e o consolo que estas
catedrais abertas do nosso tempo, esmagando o contexto construído e humano, nos
impõem, sabe bem reencontrar o mundo interior de António Drumond, no
recém-criado bar e loja da Avepod, em frente ao Douro, no Muro dos
Bacalhoeiros.
É bem natural que a Fotografia
reflicta estas duas atitudes que coincidem em nós neste malogrado século XXI: o
turismo de massas entrosou o gosto inteligente do progresso técnico com o
revivalismo esporádico de um pretérito que também nos pertence. A velocidade de
circulação, a fusão da imagem com a realidade, estabelecem em nós esta profusão
de gavetas de um real que se vai desfrutando em momentos sempre actuais, de que
é modelo o recurso à memória informática.
No contexto do bar, onde um veleiro
de dois mastros, atracado no rio reanima o tempo passado, as provas de vinho
fazem-se entre o chão de pedra e as fotografias de António Drumond, de dimensão
razoável, alinhadas ou reencontradas na volta de um canto ou à altura de um
primeiro andar; a preto e branco ou a cor, identificáveis ou desafiadoras, ajudam a reconstituir, à moda do
nosso tempo, um passado que nunca existiu e um presente invadido por esse
passado contaminado por um novo olhar. Pois este fotógrafo semi-amador,
(categoria muito comum nesta cidade), que sempre adivinhou as mudanças do olhar
e as trabalhou com uma técnica que tende a desaparecer, mantém aqui, nesta
mostra quase intimista de fotografias maioritariamente construídas, não uma
volta ao mundo do exterior, mas um percurso levemente crispado pelo seu e nosso
mundo interior.
Esta imagem de 2000, a preto e branco, que
conserva por isso mesmo as mínimas diferenças do detalhe, representa um dos
temas mais caros ao seu autor: o momento em que o corpo, no tempo suspenso da
imagem, condensa uma decisão, uma atitude. Aqui é a própria resistência ao
caminhar, o enfrentar o vento com a força da verticalidade, que desenha na
roupa o turbilhão de pequenas forças que a resistência acarreta. E, como é
habitual nestas suas imagens de partida, onde não vemos os rostos dos
personagens, é para um lugar indefinível, quase onírico, de confrontação ou
mistério, que nós, com o personagem caminhamos.
Há um limiar de ausência nesta
presença, um limiar que conduz à aventura e ao desafio. Nas suas imagens de
retirada do sujeito, (habituamo-nos a confrontar o olhar do fotografado,
entendendo-o) é o contexto que cria o enigma, abastecendo-nos de metáforas
reconhecíveis, seja a água que corre, mudando a sua imutabilidade, seja o lugar
dos mortos ou o da distância, seja mesmo o de uma acção qualquer que nos
esconde. E assim o que é retratado é uma situação, mas a história é
excessivamente aberta, é excessivamente universalizante.
Estou em crer que a repetição dos
seus vultos que nos recusam o olhar, que partem decisivos ou indecisos e que
parecem interromper-se porque se sentem olhados, tem precisamente essa intenção
de se tornaram universais. Sem rosto, um vulto é um vulto, pode ser qualquer
um, não o identificamos, não o classificamos, não o catalogamos nas nossas
metáforas do esquecimento. A arte, mesmo a naturalista ou realista, parte da
pulsão para a sublimação. O impulso é mais desestabilizador do que a acção,
porque nesta se introduzem conceitos e memórias da aprendizagem. No impulso,
embora obscuramente, através de signos, é o real que fala, na sua infindável
pesquisa do Todo, esse desejo de ser, de ser totalmente, de ser pertença,
ainda, de um mundo, alheio às aparências de ser que a cultura vai impondo. Por
isso aqui, nesta pessoa que se afastava e interrompeu a luta contra o vento e a
intempérie, (e uso uma metáfora comum), vemos apenas alguém, vemos o universal,
o Homem, não particularizado pelo rosto. Essa condição da Fotografia, o ser uma
evocação do real fragmentado, exige sempre de nós reconstituição do ausente, do
fora de campo, ou do que imaginamos ser o fora de campo. Mais do que a pintura,
fotografia é sempre reflexão, invoca-nos tempo e lugar, contradição e mediação.
E, recorra ou não a um aprendizado estético, à estranheza ou a uma fácil
decifração, impõe-nos repetidamente uma viagem, pelo conhecido ou pelo
desconhecido. Qualquer imagem fotográfica contém um código que existe em nós;
algumas delas, como esta, rodeiam-se de signos onde, como o autor, navegamos de
conceito em conceito, sem podermos e sem querermos sair da indeterminação do
mistério para o qual toda a metáfora é insuficiente. Universalizamos a
representação porque ela nos faz acudir qualquer pulsão, e a pulsão, como
sabemos, identifica-se com o seu objecto de desejo, (ama-se no outro a
satisfação que nos dá). Não há memória na imagem indeterminada mesmo se
construída. É uma imagem de desejo, mas de desejo sem objecto.”
Maria do Carmo Serén
