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| Conspiración © Carmela Lucas |
À boleia da exposição Políptico, que mostrará no Espaço BES Arte e Finança seis interpretações de outros tantos fotógrafos dos painéis de São Vicente, a conferência A Emergência da Fotografia no Panorama Internacional das Artes contará com intervenções de Agnès de Gouvion St. Cyr, Albano Silva Pereira (CAV), Nuno Aníbal Figueiredo (Número/Interferências), Pierre Gonnord, Rachel Korman (Carpe Diem) e Valter Vinagre (Kameraphoto). É no Institut Français, em Lisboa, sexta-feira, 27, às 19h00.
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| © Perez Siquer |
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| John Heartfield, AIZ, nº 44, 1934 |
Uma alma avisada e atenta fez-me chegar às mãos o livro que resultou da exposição
A Hard, Merciless Light. The Worker-Photography Movement, 1926-1939, que esteve no Centro de Arte Reina Sofia em meados do ano passado e que problematizou uma investida temática da fotografia ainda pouco estudada relacionada com a reacção das classes operárias às más condições de trabalho. A obra reúne uma série de ensaios e documentos apresentados durante um seminário que aconteceu em Madrid por vários especialistas e historiadores de toda a Europa, entre os quais Emília Tavares, do Museu do Chiado, Lisboa. Detalhes sobre o livro aqui
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| Alunas e professoras na Escola Primária de santa Luzia na década de 1920 |
Chama-se A Cidade da Muralha, mas a intenção é que os vimaranenses não fiquem dentro de muralhas mentais passadistas, do género “nesta altura é que a cidade era bonita!”. Eduardo Brito apresenta assim a exposição de que é comissário, e que foi inaugurada no Centro para os Assuntos da Arte e Arquitectura (CAAA), em Guimarães, em mais uma iniciativa da Capital Europeia da Cultura.
A exposição mostra uma selecção de 124 fotografias das mais de seis mil que integram o espólio das antigas Foto Eléctrica-Moderna e Foto Moderna, que existiram na cidade entre 1910 e 1987, e que foi recentemente adquirido pela Associação Muralha.
Com a inauguração da exposição, é simultaneamente feito o lançamento do site do projecto Reimaginar Guimarães (www.reimaginar.org). Ao longo de 2012, aí será actualizado o trabalho de levantamento e digitalização deste espólio fotográfico, que, sendo na sua maior parte inédito, permitirá aos vimaranenses o reconhecimento da sua cidade e memórias.
No decorrer do levantamento, Eduardo Brito, um museólogo formado em Direito e também com experiência em fotografia, foi a certa altura surpreendido com uma fotografia da sua avó, dos anos 20. Esta situação vai certamente repetir-se com os vimaranenses que contactarem com estas imagens históricas.
A Cidade da Muralha “explora a relação de possibilidades infinitas que os arquivos sempre oferecem”, diz o comissário. Mas a sua preocupação principal foi “criar narrativas”. A mostra organiza-se em cinco eixos temáticos: começa com a cidade desaparecida (há imagens, por exemplo, do Teatro Afonso Henriques e da Igreja de S. Paio, já demolidos); passa pela cidade das pessoas no seu quotidiano, ofícios, festas e cultos; documenta acontecimentos e episódios (a visita de um cardeal não identificado aquando do Congresso Eucarístico de 1927, ou um exercício de bombeiros em 1909); testemunha como o(s) fotógrafo(s) da Moderna regressaram várias vezes aos mesmos lugares; e também o processo de construção da cidade que Guimarães hoje é, no seu espaço público e edificado.
Durante a Capital Europeia da Cultura, o projecto Reimaginar Guimarães e o acervo da Muralha vão dar origem a quatro novas exposições, uma delas com os trabalhos fotográficos do arqueólogo Martins Sarmento, mas também os de figuras que saíram ou passaram por Guimarães, como o documentarista Silvino Santos ou o fotógrafo Antero Frederico de Seabra.
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| Operários numa fábrica de cutelaria não identificada na década de 1930 |
Está prontinho para encomenda ou para compra directa a segunda edição de All Beauty Must Die, os livros onde Patrícia Almeida & David-Alexandre Guéniot põe toda a criatividade, cuidado e sabedoria. Há uma edição de 25 exemplares que vem acompanhados com uma serigrafia (90 euros). Estão aqui
Há sempre boas razões para ir a Paris. Aqui fica mais uma: A New History of the Latin-American Photobook, a exposição que pela primeira vez faz o estado da arte do fotolivro sul-americano. É uma mostra que começou no livro que o crítico, historiador e comissário espanhol Horacio Fernández concebeu para a editora Aperture. Na comissão de sábios estão Marcelo Brodsky, Iata Cannabrava, Lesley Martin, Ramon Reverté e o inevitável Martin Parr que chamou aos fotolivros da América do Sul "o segredo mais bem guardado da história da fotografia".Foi durante o fórum de fotografia da América latina em São Paulo, em 2007, que surgiu a ideia de cartografar os livros de fotografia feitos naquele espaço geográfico que até agora não tinha nenhum levantamento sistemático e crítico do que de melhor se fez e publicou durante o século XX. A empreitada demorou três anos e alcançou a edição de 19 países, de Cuba à Patagónia. A exposição em Paris, no Le Bal, apresenta 40 fotolivros produzidos entre 1921 e 2012 e será acompanhada de um programa de encontros, debates e performances.
Mais informações aqui
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| Werner Gräff, Es kommt der neue Fotograf! (Aí vem o novo fotógrafo!), 1929 |
Ao fim e ao cabo, andamos todos à procura de alguma coisa. O Fotomuseum Winterthur, por exemplo, decidiu empreender uma busca pelos novos sentidos teóricos que enquadrem o realismo fotográfico. Podia-lhes dar para pior, mas não. E até convidaram gente de gabarito para atirar as primeiras achas para a fogueira cujas chamas se alimentarão no blog still searching. O primeiro é o teórico e historiador de fotografia alemão Bernd Stiegler que, acompanhado por David Campany e Martin Jaeggi, promete abrir ao longo das próximas seis semanas novos campos teóricos a propósito dessa imensidão significante a que chamam realismo fotográfico. Seguem-se Aveek Sen, Walead Beshty e Hilde Van Gelder.
A discussão já começou com o primeiro post, Imperfection, aqui
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| Werner Gräff, Es kommt der neue Fotograf! (Aí vem o novo fotógrafo!), 1929 |
Era cada tiro, cada melro. As crónicas de Álvaro Domingues no Público de há uns anitos eram os mais certeiros diagnósticos sobre esse desporto nacional a que temos vindo a dedicar-nos febrilmente mais ou menos desde a primeira tarde - o da autodestruição (ou o da construção autodestrutiva, dependendo das épocas e de quem manda).
As crónicas acabaram, para desalento de milhão e meio de seguidores quando o facebook ainda mamava no dedo. Mas a verve é coisa que não se deixa intimidar por classificados nem se perde assim como quem perde berlindes a jogar ao abafa. Olhar de falcão como tem, Domingues não se podia ficar pela palavrinha escrita, lançando-se também na empreitada fotográfica que já nos deu, por exemplo, "A Rua da Estrada" (Dafne, 2010), um roadlivro pelas valetas viçosas deste nosso Portugal, uma charada do mais sério que há ao modo inventivo com que vamos ocupando espaços e construindo paisagem pitoresca, pincaresca, à picareta e à cacetada. Com esse livro, o geógrafo (e professor na faculdade de Arquitectura da Universidade do Porto) deu início a uma trilogia que agora se vê numa encruzilhada onde todas as tabuletas mostram em alto relevo a palavra crise. Como Álvaro Domingues não é J. R. R. Tolkien, é muito melhor, de certeza que não vamos ter o problema de ficar a meio do caminho como ficou o bacoco do Frodo Baggins assim que se impunha atirar o anel malvado para o caldeirão. Vai daí que para que as coisas tomem o seu caminho natural (sem precisarmos de ajuda das Estradas de Portugal) é preciso fazer uma subscrição do segundo tomo desta corrida, "Vida de Campo", que se atira ao "mau viver" do mundo rural, opúsculo que só sentirá o peso do prelo quando 500 alminhas disserem "sim, eu quero!" na página www.alvarodomingues.net, onde o mapa do tesouro está todo explicado, incluindo a preciosa indicação do NIB para onde se devem mandar os 18 euricos que é quanto custa o bilhete de ida ("Vida de Campo" será enviado para casa, numerado e assinado pelo autor. Impressão até fim de Março, diz a Dafne).
Como para a ida parece que vamos ficar aviados, para a volta, se não houver pneus furados nem avarias na carruagem, temos prometido em jeito de grand finale "Volta a Portugal" (lá quando chegar 2013), um livro que a Sicasal não se deve dar ao luxo de não apoiar.
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| Uma das três fotografias captadas por João Silva depois de ter pisado uma mina © João Silva |
No ano passado, o mais importante festival de fotojornalismo do mundo, o Visa pour L`Image de Perpignan, decidiu mostrar o trabalho de João Silva no Afeganistão, depois do acidente que em 2010 lhe amputou as duas pernas. A associação cultural Estação Imagem, de Mora, empenhou-se em trazer a essa exposição para Portugal em parceria com a Direcção-geral de Arquivos/Centro Português de Fotografia e o apoio do festival e do New York Times, jornal para o qual João Silva trabalha. João Silva - Afeganistão abriu ao público este sábado no CPF, Porto, e pode ser visitada até 24 de Março.
Paulo Moura falou com João Silva a propósito da exposição, conversa na qual vieram à baila os dilemas com que os fotojornalistas se confrontam na hora decidir.
No ípsilon da última semana aqui
Está prestes a sair a próxima edição da "C", a revista anual editada pela Yvorypress que este ano tem como tema genérico Posed/Not Posed. Tobia Bezzola, do Kunsthaus de Zurique, foi o editor convidado a organizar este número que abordará a tensão latente entre a mais pura espontaneidade e a ambição de conseguir a expressão perfeita e a busca da pose como linguagem fotográfica. A "C" contará com portfólios Rico Scagliola & Michael Meier, Jacques Henri Lartigue, Thomas Struth, Pawel Juszczuk, Federico Patellani, Edward Quinn, Hester Scheurwater, Garry Winogrand, Guy Bourdin, Jules Spinatsch, Ghislain Dussart e Slim Aarons.
Mário Lopes (publico.pt, 05.01.2012)
Fotografou Marylin Monroe no set do seu último filme, “Os Inadaptados”, e mostrou, rua a rua, rosto a rosto, a vida no bairro nova-iorquino do Harlem. Viajou até aos Emiratos Árabes Unidos quando estes, na década de 1970, eram um mistério para o Ocidente, e captou Isabel II, muito pouco majestática, de sorriso muito humano. Aproximou-se de Paul Newman ou James Cagney, acompanhou Malcolm X na luta pelos direitos civis, fotografou o basfond cubano de prostituição e rostos derrotados e teve como primeiro grande trabalho uma série sobre o nascimento. Eve Arnold, a primeira mulher admitida nos quadros da Magnum e um dos nomes maiores da geração de ouro da fotografia no século XX, morreu hoje, quinta-feira, aos 99 anos.
A mulher cujo trabalho foi descrito por Robert Capa, um dos fundadores da Magnum, como estando “metaforicamente entre as pernas de Marlene Dietrich e as vidas amargas dos trabalhadores migrantes na apanha de batata”, vivia numa casa de repouso em Londres, a cidade que a acolhera no início da década de 1960.
Nascida em Filadélfia em 1912, filha de imigrantes russos, Eve Arnold chegou tarde à fotografia. Inicialmente inclinada a seguir uma carreira na medicina, o rumo da sua vida foi alterado quando recebeu de um namorado uma câmara Rolleicord. Nova Iorque foi o primeiro alvo do seu olhar, em que a pulsão documental era profundamente tocada pelas obsessões marcantes da sua vida. “[Certos] temas ressurgem uma e outra vez no meu trabalho”, cita-a nesta quinta-feira o site da NBC. “Fui pobre e quis documentar a pobreza; perdi uma criança e era obcecada com o nascimento; estava interessada na política e queria saber como afecta as nossas vidas; sou uma mulher e quis conhecer as mulheres”.
Arnold entrou para Magnum em 1951 e tornou-se membro efectivo em 1957. Nos anos seguintes, viajou mundo fora para documentar a vida na União Soviética e na China, ou o universo feminino no Dubai. Em Inglaterra, desviou o olhar da emergente “swinging London” para se concentrar naquilo que era ainda uma sociedade profundamente classista – registava lordes em caçada ou veteranos abandonados da segunda Grande Guerra. “A coisa mais difícil no mundo é pegar no mundano e tentar mostrar quão especial é”, afirmou.
Os seus trabalhos mais famosos serão, porém, os que fez com estrelas como Joan Collins, Isabela Rossellini, Marlene Dietrich ou, principalmente, Marylin Monroe, que fotografou pela primeira vez em 1951 e que acompanhou até à sua morte. Com todas elas, construiu uma intimidade que a câmara reflectia de forma pungente. “Aquilo que tentei fazer foi envolver as pessoas que estava a fotografar”, cita-a o Telegraph. “Se estivessem dispostos a dar, eu estava disposta a fotografar”.
No período mais intenso da sua carreira, as décadas de 1950, 60 e 70, trabalhou com a Life, Esquire, Stern, Paris-Match ou com o Sunday Times, e, ainda que a cor faça parte de muito do seu espólio, sempre preferiu o preto-e-branco.
Apesar da obra que deixa e da paixão que revelou pela sua arte, dela não se poderemos afirmar ter fotografado até ao fim. “Julgo que, se alguma vez me sentir realizada, terei que parar. O que nos guia é a frustração”, disse em tempos. Em 2009, porém, quando a actriz Angelica Huston lhe perguntou se ainda fotografava respondeu, que “isso” tinha acabado. “Já não consigo segurar a câmara”, explicou.
A Scopio, publicação de fotografia ligada ao espaço de fotografia da Faculdade de Arquitectura da Universidade do Porto com uma linha editorial ligada à imagem e reflexão sobre as mais diversas acepções de espaço, organizou um concurso internacional através do qual pretende seleccionar um trabalho para a terceira edição da revista que tem uma periodicidade anual. O tema é circunscrito à noção Aboveground - Territory. As candidaturas podem ser enviadas até ao dia 15 de Fevereiro.
Os pormenores sobre este concurso estão aqui
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| António Júlio Duarte © Enric Vives-Rubio/Público |
Se os ruídos podem ter cores também podem ajudar a formar imagens. Já agora que venham com muita cor, brilho e flash à mistura. O ruído que andou cravado na cabeça de António Júlio Duarte, como um moscardo que não larga a sua presa, fez das suas. O fotógrafo português que mais tem aterrado a Oriente serviu-se do zumbido inebriante e das insónias para visitas recorrentes a lobbies de casinos de Macau, espaços onde reina a ostentação, a alucinação decorativa e onde, ao mesmo tempo, tudo parece possível e tudo parece impossível. O resultado de dez anos de regressos às antecâmaras que alimentam o sonho da fortuna está agora em White Noise (Pierre von Kleist Editions, 2011), aquele que António Júlio Duarte considera o seu primeiro livro de fotografia com cabeça, tronco e membros, apesar dos quilómetros de estrada, apesar da longa bibliografia em nome próprio. Numa manhã fria de sol, de gorro enfiado e luvas cortadas nos dedos (enrolar cigarros é preciso), António falou do livro, da procura da quadratura do círculo e da importância da lentidão, da rotina e da persistência. Chamou-se à liça ainda outro regresso - o da exposição “Canil” que pode ser vista até 11 de Março na galeria Pente 10, em Lisboa, depois de ter sido mostrada no Brasil em 2003 e (em versão alargada) em Madrid, por iniciativa da LisboaPhoto, em 2005.
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| © António Júlio Duarte |
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| © António Júlio Duarte |
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| © António Júlio Duarte |
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| © António Júlio Duarte |
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| © António Júlio Duarte |
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| © António Júlio Duarte |
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| © António Júlio Duarte |
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| Débris, North Kivu, Eastern Congo, 2011 © Richard Mosse |
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| © Luís Maio |
Estação de metro do Cais do Sodré, 9h20 da manhã, segunda-feira de um dia de trabalho qualquer. A carruagem mais perto das bilheteiras estava a abarrotar quando soou o primeiro toque contínuo, a anunciar que o comboio estava prestes a arrancar. Nesse preciso momento entrou de rompante na dita carruagem um tipo com um “canhão” montado na máquina fotográfica. Deu meia dúzia de encontrões para arranjar espaço e começou a fotografar compulsivamente o pessoal ao fundo da carruagem. Até saltar do comboio a toda a mecha, mal ressoou o segundo sinal descontínuo de fecho de portas.
No mesmo dia, ao fim da tarde, desta feita no piso superior da gare ferroviária do Rossio, estava outro tipo (sim, tenho a certeza que não era o mesmo) sentado, na verdade quase deitado, com uma “olho de peixe” a disparar furiosamente os passageiros à saída das portas automáticas. Não sei se por diversão, se por exercício ou por compromisso profissional. O que eu sei é que estes dois estavam deliberadamente a tirar retratos sem licença aos utentes dos transportes públicos. O que, apesar das teorias mais ou menos mercenárias de Oliviero “United Colors” Toscani e doutros ideólogos da fotografia, é um crime punível pela lei, pelo menos segundo as leis comunitárias.
Talvez ninguém vá preso por causa disso, não certamente em Portugal, mas tirar fotografias a quem não quer ser fotografado é feio e muitas vezes dá direito a discussão. Nesta perspectiva, parece estranho que seja também um dos passatempos favoritos dos turistas. Quando se está de férias no estrangeiro, sobretudo em lugares exóticos do Terceiro Mundo, parece perfeitamente natural apontar a câmara a crianças que brincam seminuas na praia, a artesãos andrajosos, explorados em oficinas miseráveis, a noivos infelizes em casamentos combinados, ou a velhinhos adormecidos em poses menos decorosas nos bancos de jardim. Aproveitando a embalagem alguns turistas vão ao ponto de se divertirem a tirar bonecos comprometedores a pessoal da candonga, jovens delinquentes e mesmo mulheres da vida.
O “uniforme” de forasteiro parece conferir a quem anda de compacta em punho um misto de inocência e de liberdade, que não anda muito longe da impunidade. A ousadia que ganha o turista em férias é, em qualquer dos casos, a mesma que lhe falta no dia-a-dia e essa assimetria ajuda a explicar por que razão a câmara é um adereço indispensável em férias, mas é também a primeira coisa que se arruma na gaveta quando se volta a casa. Aí reside o paradoxo: vamos para o cu de Judas tirar retratos a malta que não conhecemos de lado nenhum, nós que não somos fotógrafos e nunca teríamos a coragem nem a motivação para o fazer à porta de casa. Prova dos nove: algum dos retratistas de rostos exóticos se deu ao trabalho, ou melhor, teve a coragem de fotografar os vizinhos da rua?
É, no entanto, um daqueles paradoxos que faz todo o sentido. Porque se vamos de férias para outro lado é frequentemente para ver e conhecer gente diferente. Depois ficamos sem jeito, como dizem os brasileiros, e não temos outro meio de meter conversa que não seja apontar a máquina fotográfica aos eventuais interlocutores. Acaba assim por se converter num gesto de simpatia e de cortesia o que vulgarmente passa por falta de respeito. Primeiro nós sorrimos e eles sorriem — ou então dizem logo que não com a cabeça e passamos à frente. Quando a coisa corre bem, no entanto, depois trocam-se gestos e palavras numa língua comum, ou noutra que se inventa com as que vêm à rede. É nesse princípio de qualquer coisa que acabam por estar os momentos mais inesquecíveis de uma viagem.
Foi justamente o que aconteceu com esta senhora do quiosque da gare de uma terriola remota, no sul do Cazaquistão, onde o comboio onde eu seguia para Astana fez uma breve escala. Primeiro assustou-se quando lhe apontei o telemóvel e meteu-se para dentro. Depois arranjou-se e voltou à janela do quiosque com o seu melhor sorriso. Tirada a fotografia apareceu o marido, que era pica-bilhetes, mais uma senhora que vinha no comboio e falava comigo em inglês e com eles em russo. Falámos de chouriços e de gomas, de crianças e da neve que tinha caído na noite anterior, antes de trocarmos moradas e de eu prometer mandar-lhe a foto.
(Título tomado de empréstimo do novo álbum de Sérgio Godinho)
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| © Rinko Kawauchi |
Estão encontrados os quatro finalistas para o Deutsche Börse Photography Prize 2012, organizado pela The Photographers’ Gallery. São eles: Pieter Hugo, Rinko Kawauchi, John Stezaker e Christopher Williams.
Pieter Hugo (1976, África do Sul) foi seleccionado pela publicação do fotolivro Permanent Error (Prestel, Alemanha, 2011)
Rinko Kawauchi (1972, Japão) foi nomeada pela publicação de Illuminance (Kehrer, Alemanha, 2011).
John Stezaker (1949, Reino Unido) foi nomeado por uma exposição na Whitechapel Gallery, em Londres (29 de Janeiro - 18 de Março).
Christopher Williams (1956, Estados Unidos) foi nomeado pela exposição Kapitalistischer Realismus na Dům umění České Budějovice, na República Checa (5 de Maio - 12 de Junho)
O prémio de 30 mil libras reconhece todos os anos um fotógrafo vivo, de qualquer nacionalidade, por um corpo de trabalho específico que tenha contribuído "significativamente" para enriquecer a fotografia como suporte de criação.
Os membros do júri da edição deste ano do prémio foram: François Hébel, director dos Encontros de Arles; Martin Parr, fotógrafo; Beatrix Ruf, directora e curadora da Kunsthalle Zürich e Anne-Marie Beckmann, curadora da Art Collection Deutsche Börse. Brett Rogers, director da Photographers’ Gallery, participou na selecção sem direito a voto.
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| Pieter Hugo, Yakubu Al Hasan, Agbogbloshie Market, Acra, Gana © Pieter Hugo, cortesia da Stevenson Gallery, Cape Town e Yossi Milo Gallery, Nova Iorque |
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| © Alejandro Herrero |
Se Muestra é um projecto erguido em Madrid que rema contra o analfabetismo fotográfico num tempo em que os automatismos e as aplicações nos dão a ilusão de saber olhar, de saber escolher e de saber os fundamentos técnicos da fotografia. Através do campo documental, o Se Muestra quer incentivar a "intencionalidade fotográfica" de quem carrega no botão, qualquer que seja o dispositivo à mão.
O fotógrafo Claudi Carreras, pai da ideia, explicou ao El País que para além da intenção pedagógica há a ambição de "potenciar projectos de documentação de um determinado território" convidando os autores "a cobrir determinada realidade durante um tempo".
E quem patrocina o Se Muestra? O Ministério da Cultura espanhol. Surpreendente. Ou talvez não.
Mais sobre o Se Muestra aqui
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| White Noise, António Júlio Duarte |
A Pierre von Kleist Editions apresenta amanhã dois novos fotolivros do seu catálogo: White Noite, de António Júlio Duarte e Thins here and Things still to come de José Pedro Cortes. A festa de lançamento decorre entre as 16h e as 19h no espaço Carpe Diem - Arte e Pesquisa, Rua de O Século (79, ao Bairro Alto, em Lisboa). Haverá um concerto especial de Felipe Felizardo & Bruno Silva, Guitars for White Noise, e os autores estarão presentes Para além das edições correntes, serão apresentadas edições especiais dos dois livros montados numa caixa e acompanhados por uma cópia assinada e numerada.
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| Thins here and Things still to come, José Pedro Cortes |
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| Biker couple, 1961 |
Foi James Dean quem lhe disse para agarrar a fotografia como se não houvesse amanhã. E Dennis Hopper, que venerava Dean, tratou de seguir o conselho com a paixão de um observador compulsivo, com a obsessão de um viciado em qualquer forma de criação artística que tivesse como propósito erguer uma nova linguagem independente, capaz de romper com os modelos estafados da imagética da "velha Hollywood", com o cânone, onde quer que se manifestasse.
Hopper seguiu a indicação de Dean (com quem trabalhou em Fúria deViver (1955) e Gigante (1956) mas não se ficou só por ela - para além de fotógrafo, foi pintor, escultor, poeta e realizador. E à medida que ia traçando o seu percurso criativo, o mentor de Easy Rider (1969), road movie ícone da contracultura e agente da mudança de paradigma no cinema americano, tornou-se um dos principais mecenas da cena artística pop dos anos 60, comprando obras com assinaturas que hoje valem milhões como é o caso de Roy Lichtenstein, Ed Ruscha, Frank Stella e Andy Warhol (Hopper foi o primeiro a comprar um quadro das famosas latas de sopa Campbell"s). Foram aliás estas andanças (e um talento extraordinário, claro) no meio de tudo o que manifestasse uma centelha criativa de ruptura e alternativa que fizeram de Dennis Hopper um dos principais narradores visuais do mundo da arte, da música e do cinema da agitada década de 60 nos EUA.
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| Double Standard, 1961 |
Muito da abordagem enérgica e formalmente descomprometida de Hopper em relação à fotografia nasceu da intensa amizade e do talento vulcânico de James Dean, com quem Hopper conviveu quase diariamente nos seus últimos oito meses de vida (Dean morreu de acidente de carro em 1955). Hopper disse que Dean tinha uma forma de representar que mais parecia "uma dança". E, de certa forma, foi essa liberdade expressiva, essa atitude de flâneur de movimento incessante (na senda do que fez Robert Frank poucos anos antes) que o recém-actor levou para a imagem fotográfica, sobretudo quando registou ruas, paisagens, paredes decadentes, posters rasgados e graffiti, estradas carregadas de símbolos, sinais e tabuletas publicitárias, a cidade na sua combustão e no seu frenesi.
A morte trágica de James Dean deixou-lhe marcas, não necessariamente más. "Num certo sentido, a morte de James Dean salvou Dennis. Hopper não só foi forçado a encontrar o seu caminho, como foi inevitavelmente alimentado por uma dupla inspiração: o exemplo de Dean como actor combinado com a sugestão concreta para que Hopper desenvolvesse o seu potencial como fotógrafo", afirma Tony Shafrazi, galerista e comissário.
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| Edward Ruscha, 1964 |
Embora os universos fotográfico e cinematográfico parecessem condenados à osmose no decorrer da carreira (diziam-lhe que as suas fotografias eram como pequenos filmes, como uma ponte entre a vida que levava e o cinema que fazia), Dennis Hopper nunca concebeu a sua obra na fotografia a pensar em qualidades cinemáticas. Mas assumiu que o seu subconsciente o possa ter condicionado, porque afinal sempre esteve no mundo do cinema. Hopper preferia olhar para a sua relação com o suporte fotográfico com uma dose de espontaneidade e outra de obsessão. "Fui sempre um fotógrafo nervoso. Se não houvesse nada óbvio para fotografar, começava a disparar para todo tipo de coisas, especialmente se fosse a conduzir". Ao fim de contas, o que lhe dava prazer era o simples acto de fotografar: "Era bom, era divertido, fez com que seguisse em frente".
Apesar de presenças regulares em museus e galerias dos dois lados do Atlântico ao longo das últimas décadas (o que fazia prever que já conhecíamos quase tudo), a obra de Dennis Hopper na fotografia parece longe de ser um caso arrumado. Antes da sua morte em Maio de 2010, juntou-se ao galerista Tony Shafrazi para organizar o seu testamento público fotográfico em mais uma das mega-empreitadas da editora Taschen. O resultado é Dennis Hopper, Photographs 1961-1967 (2011), fotolivro monumental onde mais de um terço das imagens reproduzidas nunca tinham sido publicadas. A organização por mais de uma dezena de temas revela bem a omnipresença da câmara fotográfica na vida de Hopper e a forma como as duas facetas da sua existência se uniram. Num dos ensaios do livro, Shafrazi nota que já o conhecíamos como fotógrafo, mas sublinha que só a partir de agora é que estamos em condições de começar a perceber o verdadeiro fulgor da sua obra ligada à imagem fotográfica, quão bom foi e é.
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| Self-portrait at porn stand, 1962 |
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| © Ana de Almeida |
Uma espécie de cadáver-esquisito videográfico encenado sobre uma mesa; a história fantasiada de um navio-frigorífico que encalhou no Estoril; um filme num ecrã de dupla face sobre um templo em ruínas. Foi nisto que resultaram os três projectos vencedores, em Julho, da 7ª edição do prémio de fotografia BES Revelação. Trabalhos de Ana de Almeida, de Catarina de Oliveira e do colectivo [De Almeida e Silva, Giestas e Gonçalo Gonçalves], expostos em Serralves, no Porto (até 4 de Março).
O primeiro piso da casa-mãe da fundação é o cenário destes trabalhos, que têm em comum o descentramento da visão mais académica da fotografia. Arte que aqui "se expande em várias práticas de construção de imagens, desde a ampliação digital até ao vídeo", fez notar João Fernandes na apresentação da exposição.
O director do Museu de Arte Contemporânea de Serralves lembrou que a fundação está ligada à constituição deste prémio, desde o início. E sublinhou a importância que tem, para os jovens artistas portugueses, serem avaliados por um júri internacional - este ano, com Marianne Lanavère, directora do Centro Cultural La Galerie, em Paris, e Manuel Segade, curador independente na mesma cidade.
O terceiro membro do júri foi Ana Anacleto, curadora que acompanhou o desenvolvimento dos projectos vencedores até à sua apresentação em Serralves. Na apresentação que fez dos trabalhos, destacou, como "elemento comum", as diferentes formas de "percepção da imagem" nos seus diversos suportes, mas também, e citando o filósofo Jacques Rancière, o facto de se apresentarem como "imagens pensativas", que pressupõem "um pensamento não pensado", mas que se intui.
O trio [De Almeida e Silva, Giestas e Gonçalo Gonçalves] ocupa a primeira sala, com o projecto If it doesn"t bend, I"ll breack it. Sete ecrãs vídeo encadeiam imagens à procura de uma ligação. É o resultado de três meses e meio de trocas de "correspondência" (filmes, imagens e textos) entre os três artistas. "Às vezes foi difícil, e até penoso", chegar a este resultado, explicou Giestas na apresentação do trabalho, que não quis classificar nem como uma peça, nem uma exposição colectiva. "É algo que está depois, ou no meio disso", referiu o artista, que estuda em Hamburgo - todos os vencedores do BES Revelação 2001 trabalham no estrangeiro e formaram-se na Escola de Belas Artes de Lisboa.
O trabalho de Ana de Almeida, Al Wahda, divide-se por duas salas: é a reconstituição ficcionada do naufrágio do navio-frigorífico com aquele nome (União, em árabe), em 1989, ao largo do Estoril. "O encalhe não teve grande repercussão, porque não teve vítimas, nem grandes consequências materiais nem ambientais", diz a artista, actualmente radicada em Viena. Depoimentos de três supostas testemunhas oculares e a projecção de slides com notícias da época e desenhos técnicos do navio constroem a memória desse quase "não-acontecimento". "Quis fazer a minha própria fantasia sobre o naufrágio e levar o espectador a criar a sua própria imagem mental do facto", justifica Ana de Almeida.
Na quarta sala, um ecrã duplo exibe, de forma dessincronizada, um filme rodado por Catarina de Oliveira nas ruínas de um anfiteatro grego na Sicília. É uma sucessão de "imagens simbólicas que criam diferentes mapas", diz, num texto, a autora - que não tinha ainda chegado a Serralves na altura da visita guiada para os jornalistas. Ana Anacleto "substituiu-a", explicando que esta montagem de textos de Pirandello com performances de actores e imagens de ruínas é uma boa expressão da "imanência das imagens de carácter pensativo", de que fala Rancière.
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| © Paulo Pimenta/Público |
Gérald Bloncourt foi um dos fotógrafos que mais contribuiu para denunciar as condições sub-humanas em que viveram muitos milhares de portugueses que passaram a salto para França na década de 60 à procura de uma vida melhor. Há três anos, Bloncourt mostrou em Lisboa (no Museu Berardo) o resultado desse trabalho que a par da denúncia revelou imagens de qualidade elevada. Uma das imagens emblemáticas do longo ensaio no meio da lama dos tristemente célebres bidonville mostra uma criança de seis anos com uma boneca no regaço. O P2 desta terça-feira conta a história de Maria da Conceição Tina, a petite portugaise, que, há pouco tempo, se redescobriu (e redefiniu) no confronto com a sua imagem e no diálogo com quem a criou - Gérald Bloncourt. Um belo texto na primeira pessoa organizado por Patrícia Carvalho. Fazem falta os jornais que nos dão pedaços de vida assim.
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| © Paulo Pimenta/Público |
