Nem sempre a abordagem jornalística é a melhor forma de informar, relatar ou explicar acontecimentos. Às vezes é preciso sair da linguagem e dos ritmos particulares desse protocolo para encontrar as imagens que melhor espelham a realidade, para uma aproximação mais eficaz aos pequenos detalhes que tantas vezes carregam as chaves dos mais complexos universos. Quando Susan Meiselas chegou à Nicarágua, no início de 1978, tratou de despir o traje de fotógrafa de guerra. Optou antes por um registo ensaístico, muito mais demorado e paciente, que lhe havia de trazer reputação e glória. Em 30 de Julho de 1978, o New York Times publicou uma série de fotografias suas que acompanhavam uma grande reportagem sobre a ascensão sandinista no país. O brilharete nas páginas do Times abriu-lhe portas para outros zonas quentes do globo, mas Meiselas preferiu ficar na Nicarágua durante largos meses para tentar "acompanhar o ritmo da história".
Em 2004, a fotógrafa da cooperativa Magnum voltou ao país para mostrar as suas imagens aos protagonistas que nelas aparecem. O DVD com essa deslocação (Pictures from a Revolution) é só um extra do álbum Nicarágua, agora reeditado pela Aperture, em colaboração com o International Center of Photography de Nova Iorque.
03 novembro, 2008
Nicarágua
02 novembro, 2008
o poder
Jorge Campos apresenta o tema assim:
Algumas iguarias do cardápio (textos da organização):
>14h45, BMAG
Masterclass de Christian Milovanoff - O Poder das Imagens
(Christian Milovanoff é diplomado em Sociologia e em etnografia pela Universidade d’Aix en Provence e em estudos de Arte pela Universidade de Urbino, na Itália. Professor na École Nationale de Photographie d’Arles é autor de vários estudos sobre fotografia, como “As fotografias de Claude Levi-Strauss”, e cinema, nomeadamente sobre as obras dos cineastas Johan van der Keuken e Frederick Wiseman. Foi convidado por duas vezes, entre 1981 e 1986 e 2007-2008, pelo Musée du Louvre para realizar trabalhos de fotografia a partir das obras do Museu que ali foram apresentados. Tem realizado inúmeras exposições na Europa e nos Estados Unidos.)
>16h15, BMAG
Masterclass de Val Williams - Martin Parr: Photographic Works
(Val Williams é professora da University of the Arts London onde dirige o Centro de Investigação “Photography and the Archive”. Editora do livro: Martin Parr: Photographic Works, publicado pela Phaidon Press em 2002 e comissária da exposição: Martin Parr: Photographic Works 1970 - 2002 da Barbican Art Gallery e do National Museum of Photography Film and TV.)
Dia 4
>14h30, BMAG
Masterclass de Ray Müller - Um pacto com o diabo
(Nascido 1948, Ray Müller cursou Literatura inglesa e francesa, na Universidade de Munique. Estudou cinema em Londres e Montpellier. Depois de terminado o M.A. trabalhou como argumentista e realizador na televisão, especializando-se em documentários. O seu filme mais conhecido e premiado é The Wonderful Horrible Life of Leni Riefenstahl. Ray Müller é professor convidado da Universidade de Berkeley, Califórnia, desde 2006.)
>16h30, BMAG
Filme The Wonderful Horrible Life of Leni Riefenstahl (1993), de Ray Müller
Apresentação do autor
Filme Ein Traum Von Afrika (Um Sonho de África, 2003), de Ray Müller
Apresentação do autor
>21h45, BMAG
Filme Olimpíada (1938), de Leni Riefensthal
Apresentação de Ray Müller
Dia 6
14h30, BMAG
Masterclass de Ulrich Hägele - A Fotografia e o III Reich
(Ulrich Hägele tem formação em Estudos Culturais e História da Arte pela Universidade de Tübingen. Curador de Museus e redactor de Rádio na emissora SWR em Estugarda e Baden-Baden. É investigador em Ciências da Comunicação na Universidade de Tübingen e especialista em Propaganda do III Reich.)
Ciclo de Fotografia e Cinema Documental - Imagens do Real Imaginado
01 novembro, 2008
o regresso dos murmúrios
É difícil imaginar esta sucessão de imagens num espaço como o Silo, do NorteShopping, no Porto. Sobretudo depois do que se viu e onde se viram estes rostos proscritos. Em todo caso, louve-se a iniciativa de trazer de novo à luz fotografias que fazem mais do que se mostrar - sussurram-nos histórias de vida, pequenas ou grandes.
Murmúrios do Tempo
Espaço Cultural Silo, NorteShopping, Porto
Até 5 de Dezembro
de comboio
Local Museu Ferroviário de Lousado, Vila Nova de Famalicão
Até 28 de Dezembro
31 outubro, 2008
Helmut Newton
Domestic nude, 1993
Helmut Newton fotografava assim
Inês Nadais
(P2, Público, 31.10.2008)
“Nas imagens de Helmut Newton (Berlim, 1920-Los Angeles, 2004), as mulheres comem sexo ao pequeno-almoço: não há espaço para mais nada a não ser para esse mínimo denominador comum da condição humana, como demonstram as fotografias desde ontem expostas na galeria La Fábrica, em Madrid. Ele não mostrava as mulheres como elas eram: mostrava as mulheres como elas iam ser.
Há um extraordinário sentido de futuro nas 18 fotografias agora reunidas em Madrid (11 imagens da série Special Collection, quatro do portfólio Cyberwomen, e ainda Parlour Games, Domestic Nudes e Teacher and Slave): Helmut Newton não era um fotógrafo, era um visionário, e isso faz com que seja possível olhar para estas imagens feitas na década de 90 e ver o futuro, mais do que o passado. Cibermulheres, amazonas domésticas, raparigas com causa (e que dão o corpo por ela): com ele, elas passaram de objectos sexuais a sujeitos sexuais. É essa revolução na história da fotografia (e, em geral, na história da representação da mulher) que a galeria La Fábrica pretende sublinhar nesta retrospectiva (a galeria chama-lhe, em subtítulo, qualquer coisa como Visionando La Mujer del Nuevo Milenio) que fica até ao fim de Novembro.
Filho de uma norte-americana e de um judeu que era fabricante de botões, Helmut Newton nasceu em Berlim, de onde fugiu em 1938, três semanas depois da Noite de Cristal (onda de violência dirigida pelos nazis contra os judeus, na Alemanha e na Áustria). Foi em Singapura, no final desse ano, que se tornou fotógrafo, mas só a partir de 1961 (durante a Segunda Guerra Mundial interrompeu a carreira para conduzir camiões no Exército australiano), ano em que se fixou em Paris, é que definiu mais objectivamente aquilo que lhe interessava e se impôs como a testemunha de um certo mundo (um mundo que ele transformou em iconografia): "Evitei tanto quanto possível fotografar em estúdio. Ao fim e ao cabo, uma mulher não passa a vida sentada ou de pé contra um papel de parede. Embora isso não facilite o meu trabalho, prefiro sair à rua com a câmara, enfiar-me em lugares públicos e privados que geralmente só as pessoas ricas frequentam. Foram sempre esses lugares, normalmente inacessíveis aos fotógrafos, que mais me estimularam."
Os trabalhos que fez para revistas como a Vogue, a Elle e a Marie Claire converteram-no num dos mais célebres fotógrafos de moda (ao ponto de não ser possível fazer a história da moda na segunda metade do século XX sem passar por ele). Não podia ter havido um destino mais surpreendente do que esse para um homem que não tinha uma política de gosto: 'Odeio o bom gosto. É o pior que pode acontecer a um artista.'”
Helmut Newton
La Fábrica Galería
Verónica, 13, Madrid
Até 29 de Novembro
Benoit Aquin
Untitled 08, Genghis Khan Braving the Storm Series: The Chinese "Dust Bowl"O fotógrafo canadiano Benoit Aquin é o grande vencedor do Prix Pictet 2008, entregue ontem à noite em Paris pelo Prémio Nobel da Paz e antigo secretário-geral das Nações Unidas Kofi Annan. A série reconhecida chama-se The Chinese Dust Bowl e aborda a falta de água e a desertificação na China. O Prix Pictet é o único galardão mundial de fotografia centrado na sustentabilidade. A água foi o tema escolhido para a edição inaugural. A bolsa atribuída é de 50 mil libras (cerca de 60 mil euros).
Na China, Benoit Aquin, 45 anos, registou a maior conversão de terra produtiva em terra árida. Trezentos milhões de pessoas são afectadas pelas tempestades de pó na China provocadas pelos terrenos secos que se estendem por quilómetros. A série vencedora retrata os escassos recursos de água, a desertificação e os refugiados ambientais.
Mais de 200 fotógrafos, de 43 países, foram nomeados nesta primeira edição do Prix Pictet, no qual Jorge Molder, fotógrafo e director do Centro de Arte Moderna da Fundação Calouste Gulbenkian, participou como júri. Dezoito dos melhores fotógrafos mundiais foram escolhidos para a fase final.
O Prix Pictet, patrocionado pelo banco suíço Pictet & Cie e pelo jornal Financial Times, publicou recentemente o álbum L’eau (TeNeues), uma obra que reúne as melhores fotografias dos finalistas.
Para ver mais fotografias de Benoit Aquin clique aqui
> Post relacionado
>> Prix Pictet
30 outubro, 2008
4-3=1
An American Index of the Hidden and UnfamiliarO vencedor deste ano do Deutsche Börse Photography Prize 2009 vai ser um destes quatro nomes: Paul Graham (1956, Ing.), nomeado pelo livro A Shimmer of Possibility (steidlMACK, 2007); Emily Jacir (1970, Pal.), nomeada pela instalação Material for a Film, apresentada Bienal de Veneza 2007; Tod Papageorge (1940, EUA), nomeado pela exposição Passing Through Eden - Photographs of Central Park, apresentada na Michael Hoppen Gallery, em Londres; Taryn Simon (1975, EUA), nomeada pela exposição An American Index of the Hidden and Unfamiliar, na Photographers' Gallery, em Londres.
Passing Through Eden - Photographs of Central Park
© Tod Papageorge
29 outubro, 2008
a Oeste, nada de novo 2
Stern portfolio© Steve Klein
Primeiro Nick Knight, agora Steve Klein. Voltou a polémica sobre as fotografias da não menos polémica campanha Portugal Europe’s West Coast. Já corre um abaixo-assinado online dirigido ao primeiro-ministro a protestar contra a possível escolha do fotógrafo norte-americano que a troco de 1 milhão de euros (!) produzirá a segunda vaga de imagens (6 ao que consta) com o olímpico objectivo de promover Portugal "lá fora".
Klein é um fotógrafo multifacetado com trabalhos que vão desde a performance fotográfica a campanhas publicitárias das mais cotadas marcas do mercado. Não são raras as vezes que estrelas como Madonna ou Brad Pitt entram na sua objectiva.
O contrato estará a ser negociado por um destes organismos ou pelos três ao mesmo tempo: Ministério da Economia e da Inovação; Turismo de Portugal; Agência para o Investimento e Comércio Externo de Portugal.
A petição (que pode ser lida aqui) é uma iniciativa dos "Fotógrafos profissionais de Portugal" e pede a José Sócrates para "salvaguardar, apoiar e promover o trabalho dos profissionais de fotografia portugueses, de forma a proteger a própria imagem do nosso País".
O site de Steve Klein está aqui
>Post relacionado
>> a Oeste, nada de novo
Jesus
Jesus is my Homeboy© David LaChapelle
Galeria londrina Robilant + Voena mostra a peculiar crítica da sociedade de consumo feita por David LaChapelle através de um conjunto de fotografias que tem Jesus Cristo como protagonista. A série foi originalmente publicada em 2003 na revista inglesa I-D.
LaChapelle explica o trabalho Jesus is my Homeboy aqui
Catografias
© Susana NevesFaltam poucos dias para o fim da exposição de Susana Neves na Galeria Diferença, em Lisboa. National Catographic Magazine usa de forma sensual a percepção e a escala rumo a universos visuais insuspeitos ou descurados. Pontos de partida: pêlos de gato e pétalas. Pontos de chegada: desconhecidos.
“As 'gatografias', expostas na Galeria Diferença, não cumprem uma função meramente documental, nem retratam seres inventados, transicionais, a caminho de um Bestiário surreal (...). São mais desertos de gatos, ou cordilheiras e florestas, descobertos num gato sem mestre, nem cenário outro que a ausência de cenário.
A artista quis olhar para os gatos como se fossem flores. E para as flores como se tivessem todas as qualidades felinas clássicas, o mistério, a leveza, a subtil densidade, a capacidade de voo e outras não nomeáveis, a não ser por recurso à arte aristocrática da poesia. Assim, o outro conjunto de imagens de 'National Catographic Magazine', as metamorfoses de uma pétala transformada em signo, em vez de provir de um herbarium inventado (...) explora os pontos de contacto entre duas realidades exógenas.”
National Catographic Magazine, de Susana Neves
Galeria Diferença
R. S. Filipe Néri, 42 cave, Lisboa
Até 8 de Novembro
28 outubro, 2008
Jonathan Jones
© Dryden Goodwin/Stephen Friedman GalleryAndava a passear pelo site do Guardian e encontrei o blogue de Jonathan Jones. Fala sobre arte em geral e, de quando em vez, de fotografia.
Este post é sobre o horror nas fotografias de Alexander Gardner.
E este é sobre as fotografias desenhadas que Dryden Goodwin mostra na Photographers' Gallery, de Londres.
Detalhe de uma vista estereoscópica captada por Alexander Gardner em Richmond, Virginia
(Hulton Archive)
27 outubro, 2008
a América de Chris Morris
My America© Christopher Morris
Durante os últimos anos, o fotojornalista americano Christopher Morris, que já esteve em Portugal para julgar o Prémio Visão/BES, fotografou exaustivamente os protagonistas da política interna dos EUA, em particular a Casa Branca e o seu principal inquilino. Parte desse trabalho, que mostra política sem mostrar caras de políticos, foi impresso há dois anos no livro My America. Agora que George W. Bush se prepara para sair de cena, a galeria londrina Host decidiu recuperar o olhar astuto de Morris sobre os últimos anos do reinado republicano em Washington. O Guardian foi à exposição e ouviu o fotógrafo para quem W. Bush "até é boa pessoa".
Chris Morris explica o seu trabalho aqui
26 outubro, 2008
viagem a Enschede
(© Kate Jackling/Mark Pattenden)Era para ser uma "peregrinação de despedida" à última fábrica a produzir os cartuchos de fotografias Polaroid, mas a viagem de dois fotógrafos ingleses - Kate Jackling e Mark Pattenden - a Enschede, na Holanda, transformou-se em algo mais. A autorização sem restrições para registar a fábrica (desde que fosse em suporte Polaroid) substituiu a nostalgia pela força criativa. E o resultado desse percurso pelas entranhas do espaço de onde saíram os derradeiros quadrados brancos de fotografia instantânea vai ser transformado numa exposição e num livro. Esperamos para ver.
Enquanto não chega esse momento, já se pode espreitar para uma amostra desse passado aqui
(a viagem de Kate Jackling e Mark Pattenden a Enschende vem contada na edição de Outubro da Wallpaper que não disponibiliza online os artigos da edição impressa)
(© Kate Jackling/Mark Pattenden)PHotoGalicia
Sem título, 2007(© Victoria Diehl)
O PHotoEspaña tem desde o ano passado uma versão redux - o PHotoGalicia. E, tal como no ano passado, há exposições e actividades nas principais cidades galegas, a saber Vigo, A Coruña, Ferrol, Ourense e Lugo. A fotografia histórica está representada pela grande retrospectiva de W. Eugene Smith e a colectiva Neorealismo: A nova imagem em Itália, 1932-1960. Do lado da fotografia contemporânea há o inquietante e engenhoso projecto do catalão Javier Vallhonrat, a galega Victoria Diehl e o italiano Gabriele Basilico.
Para conhecer o programa do PHotoGalicia clique aqui
25 outubro, 2008
nan
Nan GoldinO resultado dessa conversa está aqui
“Não sei o que sinto por alguém até fotografar essa pessoa, e ver os diapositivos. Suponho que quando olho para o diapositivo não estou lá, envolvida com a pessoa, por isso torna-se mais objectivo. É aí que sei o que sinto pela pessoa.”
24 outubro, 2008
oui/non
(© Gérard Castello-Lopes)22 outubro, 2008
Fernando
Fernando© Sandra Rocha/KameraPhoto
“[...]
Isabel põe um frango a descongelar de molho, em água.
Para o jantar.
O marido saiu às sete da manhã. Anda por fora o sábado
todo, para lá da Guarda, a hora e meia de distância. Esta semana
só almoçou um dia em casa.
Fernando Robalo, 46 anos, estende os braços à sua frente,
enlaça as mãos sobre o mármore branco da mesa de jantar.
Como é que se pede a um homem que conte a sua vida, depois
de um dia de trabalho? Como é que se pede a um homem
que conte a sua vida?
[...]”
Kathleen Gomes, Fernando
Testemunhos — Trajectos de Qualificação
Vários autores
Centro de Congressos da Alfândega, Porto
Até 30 de Novembro
ponto marcado
Um Ponto Exacto para Ver
O projecto Um Ponto Exacto para Ver de Hugo Rodrigues Cunha venceu a 6ª edição do prémio Novos Talentos Fnac Fotografia ao qual concorreram 176 portfolios. O júri, constituído por Fátima Marques Pereira (professora universitária de teoria e história da fotografia), António Pedro Ferreira (fotojornalista do semanário Expresso), António Júlio Duarte (fotógrafo), Miguel von Hafe Pérez (crítico de arte e comissário de exposições) e pelo autor deste blogue, distinguiu ainda com menções especiais os trabalhos A&J, de José Carlos Duarte, e 10 Retratos, 10 Esculturas, de Alexandre Delmar.
A cerimónia de entrega de prémios e a inauguração da exposição do trabalho vencedor acontece no dia 20 de Novembro, na Fnac Almada. As exposições A&J e 10 Retratos, 10 Esculturas vão ser mostradas nas Galerias Fnac Alfragide, no dia 27 de Novembro, e Fnac Viseu, no dia 18 de Dezembro, respectivamente.
Os vecedores das edições anteriores foram Pedro Guimarães, Francisco Kessler, António Lucas Soares, Virgílio Ferreira, João Margalha, Nelson d’Aires e Inês d’Orey.
A declaração do júri sobre o projecto vencedor diz o seguinte:
“Um Ponto Exacto Para Ver mostra-nos como a seriação cartográfica através da fotografia pode abandonar a sua condição primeira de documento utilitário e vago de carga simbólica para um objecto estético carregado de referentes que questiona e pensa a maneira como hoje nos relacionamos com uma ideia de espaço em sucessivas aproximações, em novas perspectivas, cada vez mais visível e disponível em todo o tipo de suportes digitais.
A linguagem de registo geotopográfico encontrou na fotografia um dos seus mais poderosos aliados. Ao servir-se dela como suporte não satisfez apenas uma necessidade de representação realística e descritiva - criou, por si, obras de relevância conceptual e poética únicas e forneceu massa criativa a uma grande diversidade de autores ao longo da história da imagem fotográfica. Hoje, representa um dos mais intensos programas de produção artística ligados à fotografia contemporânea.
O trabalho de Hugo Rodrigues Cunha é herdeiro dessa corrente que usa diferentes abordagens da espacialidade à procura de significados travestidos, ocultos, que tentam aproximar-se de uma organização do real, de uma certa ordem do olhar.
Partindo de um visão bidimensional de imagens satélite disponibilizadas pelo programa informático Google Earth, a partir da qual é possível ver boa parte da superfície terrestre, Um Ponto Exacto Para Ver convoca-nos para uma experiência ao mesmo tempo documental e contemplativa, onde, para além do exercício de encontrar as diferenças e as semelhanças num e noutro registo, ganham importância, numa ordem estética, as cargas histórica, social, política, económica e ecológica transportadas pela imagem fotográfica tridimensional. Este último modo de ver dá-nos o "conforto" da verticalidade em relação ao chão e, em muitos casos, a largueza em perspectiva. Mas é só uma liberdade aparente porque, ao mesmo tempo, está lá a visão cega em profundidade, minuciosa em localização e contexto, onde vemos o aguilhão do pionés que nos manieta e orienta o olhar, que nos sublinha a imobilidade fotográfica através de uma longitude e uma latitude.
É uma dualidade visualmente atraente que nos leva a seguir a configuração, recorte e organização do rio Tejo na margem lisboeta, muito perto da desembocadura no mar. À medida que o olhar segue do ponto exacto de onde se vê pela linha do horizonte para onde somos impelidos a ver revela-se uma margem ribeirinha que continua inacessível e em desalinho.
Para lá da emoção que nos provoca a diferença das escalas fornecida pela bidimensionalidade da imagem pública do Google Earth, Um Ponto Exacto Para Ver incentiva-nos a rever as referências que guardamos de um espaço e a pôr em causa de forma crítica as imagens que temos dele.”
/uma fotografia, um nome\
Movido a pés© Orlando de Azevedo
“O documental é um caso grave na significação fotográfica contemporânea. Até aos anos 50 era tudo fácil, arrastava-se com gosto a interpretação positivista: uma perspectiva que olha para fora, de reportagem, partidária mas colectiva. Perdera-se a reflexão sobre a não coincidência do olho humano com a câmara que punha em causa o naturalismo e passara-se a aceitar alegremente a verosimilhança da imagem.
A fenomenologia, dando predomínio no conhecer à consciência e, de certo modo, o uso vulgar da teoria psicológica do Gestalt, com o seu jogo de interpenetração de forma e fundo, abalaram a dualidade sujeito-objecto e trouxeram a primeiro plano o papel do sujeito. É um sujeito que revela o outro nas suas percepções, antagoniza o mundo e o que observa, expressando-o simbolicamente. O “eu” artista que se vai definindo é solitário, condensa em si a aprendizagem, mostra-se na obra. Passa-se da metonímia à metáfora. A Arte Pop é já um processo em desenvolvimento sobre a significação, anunciando o neo-documentalismo.
Torna-se então evidente que esta fotografia de Orlando de Azevedo não se expressa como um documento, o que a síntese interpretativa que é Movido a pés, bem explica. E, se a expressão do condutor nos apela ao expressionismo duro, o sentido da imagem é outro. Tudo aí, neste contemporâneo Robinson Crusoé se conjuga para o símbolo: a imitação eficaz da carrinha de transporte, (é um 2º carro, é uma empresa, há outro veículo em circulação), o farol protegido pelo plástico, as tábuas mal ajustadas de restos de armário de cozinha, as janelas de plástico transparente, o espelho reflector com a imponência devida, as rodas de refugo e, virado para nós, o firmamento das estrelas do glamour da moda. Sendo e não sendo materialmente uma carrinha de transporte, é uma ideia de veículo, como são aquelas associações primárias que nos dão o indeciso mas eficaz conhecimento do mundo. Esta imagem mostra-nos a incompatibilidade da ideia com a medida, a impossibilidade de ser reduzida ao seu conteúdo material. E isto é, no mínimo, uma das definições da arte.
Orlando Azevedo é um fotógrafo de coisas belas, paisagens poderosas, sensibilidades muitas, retratos do acontecer e do quase, quase ser. Entende que a haver estética, se trata afinal de um momento subjectivo da objectividade que é própria do estético que o objecto parece desencadear no fotógrafo. E assim as suas imagens são literatura, enrolam a sua dose de poesia.
Naturalmente não aceita que interpretem as suas imagens como metáforas. Mas eu vejo aqui a alegoria da criatividade, o que é decididamente bom nesta nossa época em que dominam o pessimismo cultural e o optimismo tecnológico. E por isso mesmo não é um momento decisivo nem essa recessão infantil, mais erótica do que estética onde se inscreve muita da arte contemporânea. Nada disto se resume a um acontecer, está mais do lado do ir sendo e é isso que sentimos. Fez capa de um livro de Eduardo Galeano e foi seleccionada na América Latina quando da comemoração dos 500 anos de domínio português. O que também é uma alegoria, doa ou não doa a nós, portugueses.
De forma irrazoável uma alegoria desperta-nos um sentimento de utopia. Este condutor que faz carretos e descansa no intervalo do percurso pedonal não criou uma utopia, porque a sua ideia se realiza. Mas suscita as muitas utopias que ainda nos ligam o cérebro e a mão e que são para nós, no deserto da vida, as pequenas glórias do quotidiano.”
Maria do Carmo Serén
Orlando Azevedo, açoriano no Brasil, é escritor, fotógrafo, editor.
Criou a Bienal Internacional de Fotografia e o Museu de Fotografia Cidade de Curitiba.
21 outubro, 2008
“entre aspas”
Al Berto, 1996“Quem está aí para morrer?
Quem está aí para a travessia dos vastos oceanos?
Resíduos de luas quebradas. O mar, é tão tarde sobre o mar. E na mesma morte somos a lua e o mar. O zinabre das sílabas que, a pouco e pouco, corrói o pensamento.
(A janela aberta, o copo de cerveja, a noite - sempre a noite ecoando passos, vozes, silêncios.
A mão, a tua mão quase líquida cercando o sexo. A língua na humidade doutra língua. O corpo celebrando a vida doutro corpo.)
Estremece o ar, a caneta, a tinta, os astros e o receio de quem parte sem dizer adeus.
Quem chegará depois de ti?
Quem nunca esteve aqui? - no resplendor do plâncton, por baixo da pele...
Quem regressou? - nesta imagem que aprisionou o firmamento do teu rosto, e com o tempo se desfaz...”
InSight America
Youngstown, EUA, 2008Contagem decrescente para as eleições americanas (4 de Novembro).
A Magnum arregaçou as mangas e meteu 14 fotógrafos na rua (salvo seja) a tentar responder a estas perguntas: Who are the people of America? What are we thinking? What makes us angry and frustrated? What gives us hope? Are some of us really all blue and some all red? Or are we mostly shades of purple?
O resultado está a ser mostrado em permanência na web através do projecto InSight America aqui
19 outubro, 2008
photo docs
Conversations In Vermont, 1969Nacional 206
Catarina Alves Costa, 53’, Portugal, 2008
24 OUT. 18.00 - Londres (sala 2)
Fábrica de têxteis. Estrada Nacional 206, entre Guimarães e Famalicão, no Vale do Ave. À procura de testemunhos sobre os percursos escolares, encontramos o quotidiano e a rotina de uma fábrica que nunca pára, dia e noite, e dos que nela trabalham. O filme mostra uma empresa com oitenta anos, ainda nas mãos da terceira geração de familiares do Sr. Oliveira, o fundador. Com 1200 trabalhadores, exporta 80% da sua produção para a Alemanha, os EUA e o Japão produzindo tecido de grande qualidade para marcas como Armani e Hugo Boss. Dentro dos seus corredores e maquinaria, seguimos o quotidiano e rotina dos trabalhadores que nos falam da escola, e do seu percurso profissional e pessoal.
(Documentário que faz parte do projecto Testemunhos que inclui uma exposição colectiva de fotografia)
Standard Operating Procedure
Errol Morris,111´, EUA, 2008
22 OUT. 20.30 – Londres (sala 1) 20 OUT. 21.00 – Culturgest (grande auditório)
As fotografias tiradas por soldados na prisão de Abu Ghraib mudaram a imagem que a América tinha de si mesma. Mas um mistério fica por desvendar: serão estas a prova evidente do abuso sistemático dos militares americanos ou apenas documentam o comportamento aberrante de alguns soldados? Através do depoimento dos oficiais que tiraram as fotografias e daqueles que estavam nas fotografias, o documentário examina detalhadamente o contexto das imagens. O espectador arrisca-se a ficar perplexo: como é que actos abjectos de humilhação e de tortura (na maior parte dos casos sobre inocentes presos ao acaso) podem ser classificados pela jurisdição norte-americana como “Standard Operating Procedures” (Procedimentos de rotina)?
Conversations in Vermont
Robert Frank, 26´, EUA, 1969
23 OUT. 22.45 – Culturgest (pequeno auditório)
Considerado o primeiro filme autobiográfico de Robert Frank, reconhecido fotógrafo e cineasta suíço radicado nos Estados Unidos desde os anos 1950, Conversations in Vermont é citado pelo autor como uma obra “sobre o passado e o presente”, resgatada ao tempo em que casou com a sua mulher, Mary, e construída como “uma espécie de álbum de família”. No centro desta viagem pessoal e familiar está a relação de Frank, como pai, com os seus dois filhos, Pablo e Andrea, numa tentativa frágil e sincera de comunicar com eles a história de uma vida.
Les Années Déclic
Raymond Depardon, 65´, França, 1983
Retrato autobiográfico de Raymond Depardon onde o fotógrafo sobrepõe a voz ao seu rosto, recorrendo a uma série de fotografias suas captadas entre 1957 e 1977. Este documentário retrata o percurso do artista ao longo de vinte anos de fotos e recupera excertos de alguns dos seus filmes. No rosto de Depardon encontramos ainda o ponto de partida para uma reflexão sobre a imagem, já que o realizador não pode deixar de referir-se a si próprio sem deixar de referir os seus objectos de criação. Ambos estão ligados, pois são as imagens que permitem o fotógrafo interrogar o seu mundo e trajecto.
I'll be your Mirror
Nan Goldin e Edmund Coulthard, 50´, França/EUA, 1996
21 OUT. 21.00 - Londres (sala 2)
Em I’ll Be Your Mirror, Nan Goldin, símbolo vivo do meio artístico, evoca a sua vida extraordinária e um dos legados criativos mais exemplares na história da fotografia. O seu trabalho, conhecido por retratar a ascensão da classe média norte-americana e por ter captado o lado mais selvagem e livre da comunidade underground nova-iorquina durante os anos 1970, encontra neste filme um novo modo de olhar a sua carreira. Recorrendo a entrevistas com alguns dos seus amigos mais íntimos, gravações vídeo e fotografias da sua autoria, Goldin recorda o tempo de uma geração.
Let’s Get Lost
Bruce Weber, 120´, EUA, 1989
20 OUT. 23.30 – São Jorge (sala 3)
Quando Bruce Weber (o célebre fotógrafo de moda), conseguiu chegar perto do seu ídolo Chet Baker, um dos mais geniais trompetistas da história do jazz, a vida do músico era já um mundo em queda marcado pelo alcoolismo e pela dependência às drogas. Let’s Get Lost é uma viagem feita de contrastes entre duas épocas distintas no percurso do artista: dos auspícios da sua carreira nos anos 1950 à decadência dos seus últimos anos na década de 1980. Um filme que nos oferece imagens raras das suas primeiras actuações e juventude, entrevistas com amigos, familiares e amantes.
Profils Paysans: L’Approche; Le Quotidien; La Vie Moderne
Raymond Depardon, 90´, 85´, 88´, França, 2000
26 OUT. 11.30 – São Jorge (sala 1)
Trilogia sobre o mundo rural em França.
(sinopses dos filmes: doclisboa)
natureza
© Dora Nogueira A [Kgaleria] inaugurou uma nova exposição, Trabalho de Campo, de Dora Nogueira, sobre as inconstâncias do espaço e das coisas que nele crescem ou que nele são implantadas.
Trabalho de Campo, de Dora Nogueira
[Kgaleria]
de 4ª a sáb. das 15h00 às 20h00
Rua da Vinha (Bairro Alto) 43 A
Até 22 de Novembro
15 outubro, 2008
Jerónimo
Jerónimo Viana a bordo do "Portugal Novo", Testemunhos
“
[...]
A noite é mais escura no mar, porque não é só o céu que está apagado. Há sempre terra à vista, nem que seja um fio de luzes. Por vezes parece que a perdemos mas ela limitou-se a mudar de flanco. O barco roda.
«Pronto. Querias a terra, já está do teu lado.»
É sempre de noite que o Portugal Novo e a sua tripulação deixam a doca de Leixões. Tem de ser de noite, para o polvo não fugir. As bóias sinalizam as zonas de boas largadas, onde estão os alcatruzes ou potes, que foram deixados uma semana, quinze dias ou um mês antes. Para dar tempo ao polvo de entrar. O que os homens fazem agora a estibordo, impermeáveis ao frio, é, na linguagem do mar, a alagem. A recolha dos potes, com o polvo lá dentro. Quando vem lá dentro. Para o fisgar de dia há outras manhas: gaiolas. E ainda há a rede para a faneca, o congro, a pescada.
[...] ”
Kathleen Gomes, Jerónimo
Nota: O catálogo Testemunhos vai ser lançado amanhã na livraria Byblos, em Lisboa, às 18h30.
Testemunhos — Trajectos de Qualificação
Vários autores
Centro de Congressos da Alfândega, Porto
Até 30 de Novembro
14 outubro, 2008
William Claxton, 1927-2008
Steve McQueenWilliam Claxton
Morreu William Claxton, o fotógrafo que imortalizou vários músicos de jazz, como Stan Getz, Duke Ellington, Charlie Parker, Thelonious Monk e Chet Baker, que ajudou a catapultar para a fama, em 1952.
Para além de fotógrafo de personalidades (captou Bob Dylan, Frank Sinatra, Steve McQueen...) Claxton, que tinha 80 anos, assinou muitas capas de discos e notabilizou-se também no mundo da moda. Em 1960, com a mulher Peggy Moffit a servir como modelo, fotografou as peças do controverso estilista Rudy Gernreich.
Entre os álbuns publicados destacam-se Jazz: William Claxton, Young Chet, Claxography, Steve McQueen e Jazzlife.
Costumava dizer que a fotografia era como “jazz para os olhos”.
O obituário do Los Angeles Times está aqui e o do New York Times aqui
Para ver o site oficial de William Claxton clique aqui
>>post relacionado:
>Chet
Chet Baker (Piano), Hollywood, 1954William Claxton
da fotografia
(© Colecção particular)Siempre tengo la duda y nunca me lo han aclarado del todo. Tengo varias páginas personales, con 30.000 visitas mensuales, y en ellas cuelgo fotos de actos sociales públicos, fiestas, toros, carnavales, etc. ¿Debo de tener algún cuidado en publicar dichas fotos en Internet?
...e a resposta.
13 outubro, 2008
crónica visual
Gosto de portas. Esta é no Centro Comercial do Campo Pequeno, em Lisboa. © Miguel Madeira
Miguel Madeira, fotojornalista e editor de fotografia do Público, inaugurou no sábado uma crónica visual no P2 que terá periodicidade semanal. O conceito agrada-me muito. É atraente e difícil porque enquanto a crónica textual se constrói segundo regras e signos mais ou menos estáveis e estabelecidos, a crónica visual joga-se num campo de leitura escorregadio e muito mais subjectivo. As imagens são acompanhadas por um brevíssimo apontamento, ora de seca localização, ora de encantamento pessoal. Boa sorte.
São as chaves do Cupido. O copo estava há anos atrás de mim.© Miguel Madeira
Outro Korda
Auto-retrato, Alberto KordaKorda queria conhecer as mulheres mais bonitas de Cuba
Sérgio C. Andrade
(Público, P2, 13.10.2008)
Acabar de vez com a ideia de que Alberto Korda (Havana, 1928-Paris, 2001) foi o autor de uma só fotografia - a de Che Guevara, Guerrilheiro Heróico, que o tempo transformou num ícone da Revolução - ou que foi o fotógrafo oficial da revolução cubana. É esta a principal virtude da exposição Korda conhecido, desconhecido, na Fonoteca de Havana, e que tem registado um êxito sem precedentes junto do público da capital cubana.
"Só dez por cento da sua obra tem a ver com o tema da revolução", diz a sua filha, Diana Díaz (o pai chamava-se Alberto Díaz Gutiérrez, e corre que escolheu o apelido Korda por causa da sua parecença fonética com Kodak!). No próximo mês de Dezembro, a exposição de Korda vai ser mostrada em Madrid, na Casa da América, e é a pretexto disso que o jornal El País ouviu a filha do fotógrafo e também Cristina Vives, comissária da exposição em parceria com o jornalista Marck Sanders (os dois são igualmente autores do livro-catálogo homónimo já editado em Espanha).
"Korda não só foi uma testemunha de excepção dos anos épicos da revolução cubana, foi um artista incrivelmente moderno", diz Cristina Vives ao El País. "As fotografias de mulheres que ele fez no seu estúdio nos anos 50 são verdadeiramente revolucionárias. E esse trabalho de composição com modelos, ele iria mais tarde aplicá-lo aos líderes guerrilheiros."
A exposição, subdividida em cinco capítulos - Estúdios Korda, Os líderes, O povo, A mulher e O mar -, revela uma vertente marcante, e até agora desconhecida, da produção de Korda na década de 1950. Foram os anos em que ele decidiu virar-se para a fotografia de moda e montar um estúdio com o seu nome em Havana, "para poder conhecer as mulheres mais bonitas de Cuba", confidenciou o artista a Marck Sanders, na última entrevista que deu antes de morrer, de ataque cardíaco, em 2001, em Paris, onde se deslocara para acompanhar uma exposição individual.
Nas fotografias dessa época, Korda retratava os corpos e os perfis de modelos belas e exuberantes, como Norka ou Julia, que mais tarde viriam a tornar-se suas mulheres. Remonta a esse tempo "um espírito Estúdios Korda", que Cristina Vives reclama como sendo "arte de vanguarda".Foi no final dos anos 50 que o fotógrafo se envolveu com os ideais e com o movimento revolucionário - um dia, fotografou A menina com a boneca de palha e viu aí a metáfora de um povo explorado e empobrecido num país a precisar de mudança.
Guerrilheiros e modelos
Durante uma década, dedicou-se à causa da revolução, que divulgou e celebrou em fotografias que correram o mundo e se tornaram célebres, como a do Guerrilheiro Heróico ou a Entrada de Camilo Cienfuegos e Fidel Castro em Havana. "Mas ele não foi o fotógrafo oficial do regime, foi antes um electrão livre", reclama a sua filha Diana, explicando que foi a sua amizade com Fidel que lhe permitiu captar instantâneos que ninguém mais conseguiu. Isso é agora visível na exposição (e no livro), em fotos inéditas ou pouco conhecidas do líder da revolução a comer um gelado com Che Guevara, em pijama, ou então rodeado por um grupo de excitadas "rainhas da rádio de Nova Iorque".
Mas até as suas fotos mais conhecidas dos protagonistas da revolução "têm um ângulo distinto" e manifestam "o seu meticuloso trabalho de edição, que convertia as imagens originais em algo diferente", nota Cristina Vives, acrescentando que Korda "retratou os guerrilheiros como se eles fossem modelos".
Há uma justificação histórica para o facto de a obra "pré-revolucão" e exterior a esta dimensão mais política ser a menos conhecida de Korda. Em 1968, e como aconteceu à maioria dos negócios privados, o seu estúdio em Havana foi nacionalizado e as chapas que retratavam o movimento de Fidel (cerca de 50 mil) foram depositadas no Arquivo Histórico do Conselho de Estado. O restante trabalho desapareceu - houve, na altura, quem achasse as fotografias "pornográficas".
Na década seguinte, Korda virou-se para a fotografia submarina (fundou mesmo o Departamento Subaquático da Academia das Ciências) e chegou a ganhar prémios internacionais, em Itália e no Japão, com as suas fotografias, mas também estas viriam a desaparecer.
Parte delas foi agora recuperada por Cristina Vives e Marck Sanders em velhas revistas - como a Carteles, onde Korda fotografava as beldades do cinema, que eram comentadas pela pena do escritor Guillermo Cabrera Infante, sob o pseudónimo de G. Caín, conta o El País -, e em arquivos privados.
Korda numa sessão de moda
»vejamos»» [as sugestões dos leitores]
Josef Koudelka, Invasão de Praga pelas tropas do Pacto de Varsóvia, 1968(© Josef Koudelka/Magnum)
»»Pedro Mendes está em Nova Iorque e, para os que forem para o lado de lá do Atlântico, sugere uma visita à exposição Invasion 68 Prague, de Josef Koudelka. A mostra está aberta até dia 30 de Outubro na galeria da Aperture Foundation.
A crítica de Roberta Smith no New York Times está aqui
Mais informações sobre a exposição aqui
11 outubro, 2008
para a Golegã
Preparação do processo de albumina(© Luís Pavão)
A partir de segunda-feira decorre a Semana da Fotografia da Golegã promovida pelo Centro de Estudos em Fotografia da mesma localidade ribatejana. A inicitiva vai ser acolhida na Casa/Estúdio Carlos Relvas e estará focada nos processos fotográficos históricos que fogem aos materiais sensíveis de produção industrial e à fotografia digital.
O programa é o seguinte:
Dia 13 - Workshop e conferência sobre impressão em albumina orientados por Luís Pavão
Dia 14 - visita guiada por Luís Pavão à exposição Processos Históricos Alternativos – Uma Experiência Pedagógica.
Dias 15, 16 e 17 - Seminário e workshop sobre impressão em colódio húmido, orientados por Mark Oosterman e France Scully, historiadores e considerados os actuais mestres deste processo fotográfico.
Dia 18 - Conferência A Época de Carlos Relvas ou um Passeio pelo Álbum de Família, orientada por José Soudo. Dois workshops destinados a crianças dos 8 aos 12 anos. A Máquina Fotográfica Sem Lente dá o nome ao workshop da manhã promovido por Paula Lourenço. O objectivo é que cada criança construa a sua pinhole e se aproxime do suporte fotográfico. À tarde, Laura Guerreiro falará sobre A Fotografia Azul onde o processo de cianotipia estará em destaque.
As inscrições podem ser feitas aqui
